¿Cómo han logrado que todos hablemos de estos jovencísimos artistas de Vigo conocidos como Yugen Kala? ¡Descubrámoslo con ellos!

La madurez sonora de este dúo de hermanos en cuánto a sonidos abstractos y la electrónica más vanguardista no deja indiferente a quiénes les escuchan, y mucho menos a quiénes les ven en directo.

Servidora precisamente les descubrió en la edición 2020 del WOS Festival de Santiago de Compostela, en el que presentaron un brillante Dj set de Ambient, previo al directo de Suso Sáiz. Nada más y nada menos.

Si no lo has hecho ya, te recomendamos leer el reportaje ‘Batidas galegas, una inmersión en la efervescente escena musical de Galicia’ de Víctor Flores sobre el gran momento que vive la escena musical - y en especial la de la electrónica - en Galicia. Sin duda, que entre los artistas de las generaciones más jóvenes - esos que tomarán las riendas de dicha escena en los próximos años- encontremos artistas como Yugen Kala, es la mejor muestra de ello.

Pero...¿Qué les hace tan especiales? ¿Cómo han logrado que todos hablemos de los Yugen Kala? ¡Os invitamos a descubrirlo a continuación!

Desde pequeños siempre hemos estado expuestos a la música, y obviamente nuestro padre ha jugado un papel determinante en ella, ya fuese viendo vídeos en la MTV, yendo a conciertos o posteriormente, creando nuestros propios temas. Desde muy temprana edad hemos estado ligados al campo del sonido y es a través de este lenguaje cómo nos relacionamos con el mundo y lo entendemos.

En un principio escuchábamos básicamente lo que ponían en la radio, y a través de esa escucha diaria del camino al cole comenzamos a conocer la historia de la música pop y rock contemporánea. Poco a poco, después de esas sesiones de escucha comenzamos a interesarnos por nuevos artistas de géneros variados que van desde el jazz hasta la electrónica. Estos descubrimientos los hicimos gracias a acudir a un gran número de festivales, conciertos y a una necesidad de exploración de músicas más novedosas e interesantes para nosotros.

Desde pequeños la música que sonaba en casa era muy similar, como hemos dicho antes, pero cuando descubríamos a un artista o grupo nuevo de forma autónoma siempre nos lo contábamos el uno al otro, por lo que muy a menudo ha estado presente una retroalimentación constante que aún hoy día sigue vigente y que provoca que veamos la música desde un prisma muy similar a la vez que personal.

Hace algo más de 10 años descubrimos una aplicación para crear música en el iPad llamada ‘Maschine’. A partir de ese momento comenzamos a crear música propia con mucha emoción. Más tarde, esta aplicación sería reemplazada por su versión física. En ese momento empezamos a tomarnos algo más en serio el proceso de producción. Por otra parte, en esa época también ejercíamos como Dj’s en un proyecto al que llamamos ‘Electric Feels’, y al que aún le guardamos mucho cariño. A partir de ahí no hemos parado de hacer música, algo de lo que estamos muy satisfechos.

Los dos hemos tocado diferentes instrumentos a través del conservatorio (Nico: guitarra, Héctor: batería, y los dos algo de piano). A nivel de producción siempre hemos sido un poco autodidactas, aunque todo hay que decirlo, nuestro padre siempre ha sido una gran ayuda en este aprendizaje, aportando su conocimiento especialmente en mixing y mastering. Fue él además quien nos introdujo en nuestra faceta como Dj’s. Y tras mucho trabajo a lo largo de todo este tiempo no hemos parado de formarnos y evolucionar tanto a nivel técnico como creativo.

Es muy complicado nombrar algunos de tantos artistas que han ejercido una influencia en nosotros, ya que no solo consumimos música, sino que nos alimentamos de todo tipo de disciplina artística, e incluso no artística. En campos tan diversos como el cine, la literatura, la filosofía… De todas formas, algunas de estas influencias relacionadas con la música se pueden escuchar en nuestros mixes, playlists, sesiones… Donde se puede descubrir parte del universo de Yugen Kala.

Pues teníamos tantos temas que decidimos que había que hacer algo con ellos, así que comenzamos un proceso en el que tomamos lo que nosotros consideramos las canciones más interesantes e hicimos que encajasen todas en un mismo formato, editándolos, produciéndolos, transformándolos para así darle al conjunto una coherencia. Una vez terminado este proceso nos dispusimos a sacar el disco, lo que fue un gran éxito en lo personal.

Siempre hemos estado interesados en el proceso de publicación de un disco, y al relacionarte con diferentes personalidades que cumplen con un papel en este proceso empiezas a familiarizarte y a entender cómo funciona (acudiendo a tiendas de discos, hablando con otros artistas o simplemente poniendo atención a cómo distribuidores y sellos discográficos publican su material). En el caso de ‘Nothing Is Original’ decidimos publicarlo de forma independiente, lo que nos dio un gran control y libertad en todos los aspectos de publicación del álbum, algo de lo que estamos muy orgullosos.

En este primer disco simplemente hicimos lo que más nos gusta, crear nuestra propia música sin pretensión alguna, y recoge canciones que van desde 2017 a 2019. Más tarde nos dimos cuenta de que había material suficiente para un disco, así que nos pusimos manos a la obra. Una vez acabada la parte musical nos pusimos con la conceptual, trabajando con los demás artistas visuales que aportarían una visión más extensa de lo que queríamos transmitir, ampliando todo nuestro universo artístico. Todos estos procesos dieron como resultado lo que posteriormente sería ‘Nothing Is Original’.

Como artista siempre surgen muchas dudas de si lo que estás haciendo es realmente bueno, y la creación artística es algo muy personal y aún hoy día es complicado. No tiene mucha lógica para nosotros hablar en términos duales y simplistas. Todas las piezas publicadas y el disco en su conjunto forman parte del tiempo en el que se crearon, por lo que no las interpretamos según lo buenas o malas que nos parecían, sino que surgen de una necesidad de publicar y soltar algo en lo que habíamos trabajado durante mucho tiempo, no solo musical sino personalmente. Es simplemente un reflejo de esta época en la que vivíamos. De entre todas las canciones creadas en ese momento escogimos las más honestas y las que más hablaban directamente de y a nosotros. El disco se quedó en 14 canciones y en unos 45 minutos, que puede parecer mucho material para un disco de debut, pero que en realidad se componía de cientos de temas que hemos descartado.

Al comenzar a trabajar en el estudio buscamos formas de darle unidad al álbum y nos pareció una muy buena idea presentarlo en formato mixtape, buscando que el disco se pudiese escuchar de principio a fin sin ningún tipo de interrupción. Quizás esta decisión sea un eco de nuestra relación con nuestra práctica de Dj’s

El disco abre con ‘Manifiesto’, una declaración de intenciones íntimamente ligada a la película de culto del mismo título y su discurso sobre la apropiación, o el hecho de que ya no existan fuentes puras de inspiración. Aunque sampleamos a muchos artistas diferentes y escuchamos tanta música y tan variada, al final el resultado termina siendo único y personal, con una retroalimentación constante. ‘Silver’ comienza con el fraseo de un legendario pianista de jazz que rápidamente se convierte en una locura de samples vocales con tono alterado (uno de ellos de una conocida rapera estadounidense). ‘Fight’ es la pista más melancólica de todo el álbum, como el paisaje sonoro de un viaje en tren hacia un destino incierto. ‘Poem’ fue el single de avance del disco. Es el tema con el arreglo sonoro ‘urbano’ más claro del álbum, con “triples de un ritmo Trap deconstruido”, envuelto en una melodía metálica repetitiva y penetrante. ‘Overload’ es otro homenaje al micro-sample, con acercamiento al Grime. ‘Naive’ es el interludio, volviendo (brevemente) a la calma meditativa del inicio del álbum, antes de entrar en texturas Dark Ambient. ‘Points’ también es melancólico, elemento que aparece en todos los pasajes del disco, con una voz y una guitarra que recuerda ciertos momentos pasados de IDM o Indietronica. ‘Awake’ conduce a un Neo-Trance que explota como un trueno de un lado a otro, entre el ensueño y la vigilia. ‘404’ podría ser el tema más ‘bailable’ del LP. 4x4 con ritmo shuffle, muchos sonidos obsesivos, como una cascada de monedas cayendo al suelo, y samples de un artista de Musique Concrete. ‘Faster’ va directo al punto de Bass, Grime y Future Beats (Con una clara referencia a Sophie). ‘Alive’ envuelve un arpegio celestial alrededor de la muestra de una conocida pieza de videoarte. ‘Lucid’ recuerda las estructuras rítmicas de los sonidos urbanos latinos. ‘Breath’ es casi un epílogo, otro guiño contemplativo antes del final. ‘Shots’ cierra el disco con una pieza cinematográfica, de nuevo con muchos samples vocales alterados, que en un principio evocan un pasaje cinematográfico clásico, pero esconden muestras del folk asiático.

Realmente Juanma LoDo siempre ha estado a nuestro lado desde nuestros inicios y fue a través de él que conocimos a Marta Verde (aunque ya conocíamos su trabajo), así que todo surgió de manera muy orgánica. El resultado es una pieza audiovisual donde el lenguaje de internet y las redes sociales nos invita a reflexionar sobre aspectos como la construcción de la identidad online y cómo afecta a nuestra percepción de la realidad.

En el caso de ‘Silver’ con Freno, lo conocimos a través de la ciberesfera y cuando supimos que era de Vigo quisimos trabajar con él, ya que siempre es un gusto colaborar con el talento local en relaciones que nutren a ambas partes. ‘Silver’ parte de una estructura poética que sugiere cómo una relación cargada de erotismo y sexualidad da lugar a una desintegración del individuo, a un vacío.

Y por último también hemos trabajado con Rivmer (también de Vigo pero afincada en Amsterdam), que nos pidió permiso para utilizar nuestro tema ‘Breathe’ para un trabajo de su carrera universitaria que finalmente terminó siendo un video que más tarde publicaríamos y que transmite un mundo oscuro pero cautivador, en el que el sujeto experimenta un entorno 3D lleno de obras de arte oníricas.

En el momento en el que salió el álbum (finales de febrero de 2020) íbamos a trabajar en el directo, pero poco después llegaría la pandemia, por lo que decidimos dejar el directo a un lado y centrarnos en material artístico (mixes, canciones, vídeos…) Ahora mismo, con la reactivación de clubs y festivales decidimos presentarnos 33 en un formato Dj set en el que confluyen todo tipo de géneros y sonidos avanzados y rupturistas.

En nuestros sets todo fluye de forma muy natural, para armar un set de la mayor calidad es indispensable interpretar la pista y las energías que la conforman. Además, debido a la gran cantidad de música que escuchamos tenemos una gran facilidad de adaptación, aunque nuestra marca personal siempre está presente, algo que también consideramos esencial.

Para nosotros haber tocado en el WOS es un gran honor, ya que siempre ha sido nuestro festival de referencia, al que llevamos asistiendo como público desde nuestros inicios en la música. Además, durante la pandemia tuvimos la gran suerte de colaborar en proyectos artísticos con festivales tan admirados por nosotros como MIRA o Loom. En un futuro nos gustaría presentar nuestro trabajo en los festivales ya nombrados, además de muchos otros como MUTEK, LEV o Sónar.

Nunca hemos tenido la oportunidad de asistir a festivales fuera de la península, pero en el caso de nuestros vecinos portugueses hay muchos festivales de los que hemos salido fascinados, como el Semibreve o el Mucho Flow. Fuera de la península tenemos mucha curiosidad por tocar en eventos como Berlin Atonal, Unsound, CTM o Nyege Nyege.

Lo más importante es la honestidad, te dediques a la música o no, es un aspecto imprescindible y esencial en todas sus formas. En el ámbito artístico creemos que es muy importante crear un lenguaje mediante el cual puedas expresarte, entenderte y situarte en el mundo que te rodea sin ningún tipo de miedo, abrazando la vulnerabilidad que esto supone. Debemos ser conscientes de que este es un proceso eterno e imposible de alcanzar, utópico. Pero pese a ello, no debemos desanimarnos y dejar de intentarlo, sino acercarnos cada día lo máximo posible al tan abstracto concepto de autenticidad. La industria musical es un terreno complicado, pero tenemos la esperanza de que si cualquiera trabaja y se esfuerza en estos aspectos, el sueño de dedicarse a ello también se cumplirá (aunque igual suene un poco optimista de más).

Acabamos de empezar el primer curso de Bellas Artes en Pontevedra, que compaginamos con un curso online de cine de vanguardia en LAV (Madrid) y otros cursos de arte digital, filosofía…Siempre estamos buscando nuevos medios para transmitir y comunicar nuestras inquietudes, pensamientos, sentimientos…

“Yugen” es un concepto japonés que describe la conciencia del universo, que desata respuestas emocionales y misteriosas demasiado complejas para ser reproducidas en palabras, y “Kala” (diminutivo de Kalahari) lo integramos por nuestro interés en el baile del ‘Gran Hambre” de los bosquimanos, que es una danza para manifestar la mayor hambre de todas, la del significado.

Seguid así chicos, porque no cabe duda de que llegaréis muy muy lejos

Los hermanos Yugen Kala ya llaman la atención de la vanguardia internacional. Hace apenas una semana debutaron en el lavabo más famoso del mundo, HÖR Berlin, para demostrar su talento a la hora de mezclar IDM, bass, grime y dark electronica. El próximo sábado 20 de noviembre, estarán en MUTEK Connect en El Pumarejo a la hora del vermut (12:30h).

ENTRADAS: bit.ly/TicketsConnectNov2021LH

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