Entrevistamos a Silverlining: Tres Décadas de Groove y Evolución en el Underground

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Hoy tenemos el honor de presentar a Silverlining, un pionero de la música electrónica de Reino Unido que ha marcado a más de una generación en la escena underground del techno y house en las últimas tres décadas. Conocido por su habilidad innata tanto en el estudio como en la cabina, Asad Rizvi ha sido aclamado como un "maestro del groove". Su trayectoria comenzó en los años 90, un periodo que marcó un antes y un después en la música dance, y desde entonces, su amor por la producción y el mixing ha evolucionado sin límites.

Con más de 150 discos en vinilo y un vasto catálogo que sigue siendo un referente en los dancefloor de todo el mundo, Silverlining ha creado una discografía extensa y diversa que abarca múltiples géneros electrónicos con el House y Techno en sus diferentes variantes. A través de su sello Silverlining Dubs, ha reprensado sus éxitos del pasado mientras continúa innovando con producciones contemporáneas que están en sintonía con las tendencias actuales.

En esta entrevista, exploraremos el viaje musical de Silverlining, su evolución como artista, y su enfoque creativo que lo mantiene relevante en una industria en constante cambio. Prepárense para sumergirse en el mundo de un artista cuya música promete seguir sorprendiéndonos. ¡Bienvenido, Silverlining!

¿Quiénes han sido tus mayores inspiraciones a lo largo de tu carrera?

Siempre he admirado a los artistas que han sabido reinventarse con éxito y que han tomado giros inesperados en nombre de la creatividad, incluso cuando no lo necesitaban. Artistas como David Bowie, Miles Davis, Quincy Jones, Herbie Hancock, Andy Weatherall, François K, Talking Heads, y más vienen a mi mente. Pero a nivel personal, mis mayores —y más palpables— inspiraciones han sido las personas a mi alrededor: mi familia, amigos, personas que conozco en mis viajes, bailarines en mis eventos, y así sucesivamente. Todos tienen algo que enseñarnos, independientemente de su conocimiento musical.

¿Cómo te sientes en este momento y en qué proyectos estás trabajando actualmente?

Durante estos tiempos turbulentos en todo el mundo, siento que estamos en un momento crucial para la música electrónica. El acto de bailar en comunidad y crear lazos sociales fuertes —como nuestra música es capaz de hacer— está dejando de ser un lujo para convertirse en una necesidad del espíritu humano. Con tantas trampas que promueven la división social a nuestro alrededor, la cultura underground es una de las respuestas más poderosas. El baile actúa como un último bastión de normalidad en un mundo que cada día tiene menos sentido. Es una pena que esta experiencia sea limitada a pocas personas.

Como artistas, músicos y amantes de la música, también tenemos la responsabilidad de desafiar la normalización de las acciones destructivas por parte de gobiernos y corporaciones. A lo largo de la historia, los márgenes del arte y la música han producido efectos de onda poderosos que han moldeado la cultura popular y, a su vez, el comportamiento político. Aunque ningún artista puede detener las crisis globales a través de Instagram, nuestras voces colectivas —ya sea expresadas en línea o en público— pueden deslegitimar las acciones inaceptables. Esto puede extenderse mucho más allá de nuestras burbujas. Este enfoque ha moldeado mi proceso creativo en los últimos años y siento que debe seguir siendo constante. No siento que le reste diversión —debemos recordar cómo reír y amar— pero siento que debe haber una columna vertebral de responsabilidad en mi trabajo.

En cuanto a los proyectos actuales, me estoy centrando en mis proyectos de Neotropiq y Silverlining Dubs, en el álbum actual, así como en giras e investigación profunda. Estoy eternamente agradecido por los increíbles lugares que tengo la oportunidad de visitar semanalmente. En todos ellos, busco formas de celebrar el espíritu de colaboración, diversidad y autoexpresión.

Felicidades por el lanzamiento de tu álbum "Silverlining & Friends" en Ninih, una obra legendaria que presenta clásicos atemporales. ¿Cómo surgió el lanzamiento?

El proyecto surgió cuando Pieter Janssen, de Ninih en Ámsterdam, vio mi nombre en varios lanzamientos y se puso en contacto, proponiéndome un álbum colaborativo con proyectos de finales de los noventa. Me gustó su enfoque, así que seguimos adelante, pasando varios meses en la curación y aún más en el arte de la portada. Con tantos otros artistas a los que dar crédito, hubo muchos elementos que reunir, pero finalmente lo logramos, y estoy muy satisfecho con los resultados.

El lanzamiento se centra en tus colaboraciones entre 1996 y 2001 con varios amigos y artistas. ¿Cómo fue esa época? ¿Crees que hay algunos conceptos erróneos sobre esos años y la música que se lanzó?

Los noventa fueron una época mágica en Londres. Se sentía viva, multicultural y musicalmente innovadora. En cuanto a cómo se recuerda la música, la historia del sonido que la gente llama 'tech-house' está muy mal entendida. Sí, hubo un movimiento que surgió, en gran parte por accidente, pero no ocurrió en un vacío. Al igual que la atmósfera diversa e inclusiva de Londres en ese momento, los géneros se fusionaban y se experimentaba mucho. En el caso de nuestra comunidad de Reverberations, el enfoque era amalgamar lo máximo posible, y la mezcla de techno y house era solo una parte de un todo más amplio. Creo que esto fue completamente inconsciente, ya que no sentíamos que encajáramos en las escenas establecidas y necesitábamos crear nuestro propio espacio. Así que estábamos ocupados con mucho más que house, techno y todo lo intermedio. Por eso, solo cuatro de las diez pistas del álbum tienen un ritmo 4/4.

Creo que esto es importante para el momento presente, ya que la mentalidad cerrada puede reducir los límites de la creatividad. Esto se refleja en cómo nos comportamos ante la diferencia y lo nuevo, desde la música hasta las personas.

La música definitivamente está resistiendo el paso del tiempo; ¿crees que sigue transmitiendo el mismo mensaje ahora que entonces? ¿O quizás tiene un impacto diferente en los tiempos modernos?

Estoy sinceramente agradecido de ver que esta música sigue siendo apreciada después de tantos años. Creo que lo que ha perdurado a lo largo de los años es una actitud subyacente de aquellos tiempos más simples; el rechazo del comercialismo de la era digital en favor de la autenticidad de la vieja escuela. Los públicos llenos de gente sosteniendo sus teléfonos sigue siendo algo común en los grandes festivales y super-clubes, pero no en el underground, donde se acepta ampliamente que esto mata el ambiente. Cada vez más promotores están optando por comunicar sus eventos lejos de las plataformas tradicionales de boletos y redes sociales, para garantizar una mejor calidad de público y recuperar el control sobre su propio trabajo.

Así que siento que estamos en un momento en el que las formas arraigadas de la escena de la música electrónica están siendo desafiadas, renovadas e incluso rechazadas en favor de un enfoque más sentido que recuerda a la era predigital. Tal vez no lo veas todavía en los super-clubes de Ibiza, pero está sucediendo en el underground, y las marcas más convencionales están comenzando a seguir el ejemplo.

¿Cómo es tu relación con la era digital y la influencia que tienen las redes sociales en los artistas y la industria musical en su conjunto?

Encuentro que es como caminar en la cuerda floja entre usar las redes sociales para nuestros fines o para los de las grandes tecnológicas. Un libro fantástico llamado *Off the Network* describe cómo cada red tiene su propia lógica que espera que sigamos. En el caso de la mayoría de las plataformas de redes sociales, la red traduce nuestras actividades de ocio en inteligencia publicitaria que luego nos retroalimenta en forma de contenido personalizado. Cuanto más compartimos sobre nuestras vidas, más puede mostrarnos contenido comercial y político que nos parezca irresistible. El otro problema es que Meta posee cuatro grandes plataformas, cada una de las cuales tiene diferentes formas de recopilar datos. Cuando se amalgaman, saben todo sobre nosotros. Por eso, trato mi cuenta de Instagram como una especie de libreto de CD moderno, pero limito la cantidad de información personal que les doy. Eliminé WhatsApp, desactivé Facebook, y solo uso Signal para mantenerme en contacto con los más cercanos. A pesar de estas preocupaciones, mantengo Instagram porque lo considero la más creativa de las plataformas, pero la uso a mi manera.

Te has mudado recientemente a España. ¿Qué motivó esta decisión y cómo ha influido en tu música?

A pesar de la atmósfera post-Brexit en el Reino Unido, Londres sigue siendo una de las ciudades más vibrantes y creativas del mundo. Afortunadamente, aún tengo la oportunidad de regresar con frecuencia para las fiestas de mi sello, eventos y sesiones de estudio. Pero he vivido allí desde que era niño y sentí que era hora de probar algo nuevo. Valencia me pareció un lugar que está floreciendo en las artes y la música, con una larga historia de música electrónica, pero que aún está fuera del radar en términos de hype. Siento que salir de la escena de Londres me está ayudando a explorar nuevos enfoques que tal vez no tomaría la ciudad donde crecí.

¿Cuáles son tus clubs favoritos en España y por qué?

Oven Club en Valencia y Red58 en Barcelona son mis favoritos. Ambos fomentan una atmósfera íntima y familiar, pero con un sonido de alta fidelidad. También soy un gran fan de algunos otros promotores aquí que se mueven, como TheBasement y Special K, que saben cómo organizar una verdadera fiesta con amor y atención.

¿Cómo ves la evolución de la escena musical en Londres a lo largo de los años?

En primer lugar, hay que recordar que Londres comprende múltiples escenas. Ocurren tantas cosas que es posible que nunca te enteres, y eso es lo que la hace tan emocionante y llena de sorpresas. Pero en cuanto a los rincones de las comunidades musicales de Londres de los que he sido parte, siento que está en un buen lugar. Claro, algunas cosas se han perdido, pero otras se han ganado. Cuando empecé a salir, sentía que había un sentido de libertad y que la gente no juzgaba cómo se veía uno, además de un enfoque más pragmático. Sin embargo, era más masculina, blanca y heterosexual. Si bien no hay nada de malo en ninguna de esas cosas, era más difícil para personas de otros orígenes tener oportunidades.

Hoy en día, hay más autoconciencia personal que antes, pero también hay más espacios para DJs talentosos que podrían ser mujeres, no blancos, LGBTQ+ u otros orígenes. El acoso y los prejuicios siguen siendo problemas en los clubes, pero al menos ahora hay más conversaciones abiertas al respecto, lo que creo que traerá un cambio más duradero.

En los círculos adecuados, la música sigue siendo tan interesante y fresca como siempre, con generaciones que se combinan más que nunca para compartir su conocimiento de la música underground. La música alternativa forma parte del ADN de la ciudad.

¿Qué artistas de la nueva generación puedes recomendarnos?

Hay muchísimos. En cuanto a DJs, algunos de mis favoritos que me vienen a la mente son Georgia, Hamish & Toby, Loa Szala, Sugar Free, Carrau y Maybe Laura. También me encantan los DJs del colectivo Oven, como Sueezo, Pau Perez y Pin. Aunque soy parcial, mis residentes y regulares de Neotropiq están entre los mejores del momento: Free Zing, Oliver Moon, Trixie, Heaven Lee, 3Minds, KT y muchos más. Soy terrible para recordar los nombres de los temas que toco, ¡pero siempre estoy dispuesto a identificar cualquier cosa de mis sets!

¿Puedes contarnos más sobre tu sello discográfico, "Neotropiq"? ¿Qué tienes planeado con el sello y el “Treefrog Army”?

Lancé el sello en 2018 con una fiesta puntual y un par de reediciones que funcionaron bien. Pero una vez que se completaron, sentí que necesitaba otro canal además de Silverlining Dubs. Después de la pandemia, construí un espacio creativo en el sur de Londres donde lanzamos la serie de fiestas con algunos amigos cercanos. Después de la primera fiesta, estaba claro que Ollie Moon y Trixie serían residentes, y luego agregamos a mi cofundador de Reverberations, Tom Gillieron, y a Free Zing. Así que ahora somos un colectivo de artistas que organiza fiestas. El último lanzamiento, el EP Treefrog Army, es un reflejo de los artistas y el sonido que se tocan en nuestras fiestas en Londres.

Cuando produces, ¿tienes algún hábito o ritual antes de entrar al estudio que te ayude a concentrarte o encontrar inspiración?

Encuentro que empezar temprano con una mente fresca es lo más productivo. Solía trabajar hasta tarde en la noche, y ocasionalmente todavía lo hago, pero los comienzos tempranos tienden a ser los más productivos para mí. Suelo entrar al estudio después de mi rutina de ejercicio, un buen desayuno y una taza de café fuerte. Luego, en el estudio, bloqueo distracciones, pongo mi teléfono en modo concentración y me pongo a trabajar. No necesitas más que eso para ser creativo.

¿Cuáles son tus sintetizadores y cajas de ritmos favoritos? Danos tu TOP 5.

El Yamaha DX11 ha sido una parte importante de mi sonido desde mi primer disco hasta ahora. El Akai S3000XL—bueno, un sampler—ha sido un pilar para mis baterías durante años. Siempre amaré la TR-808, probablemente la primera caja de ritmos que escuché de niño. Todos sus parientes X0X son opciones obvias, pero nunca me canso de ellos. En su lugar, mencionaré el Kurzweil K2000 v2, que recientemente he estado explorando por su gran profundidad de sonido. Y por último, últimamente he estado muy metido en el flujo de trabajo del Akai MPC Live.

Finalmente, ¿puedes compartir una canción que cambió tu forma de ver la música?

Era un niño pequeño cuando escuché esto por primera vez, y sonaba como si una nave espacial estuviera aterrizando en mi habitación.

Today we have the honor of speaking with Silverlining, a pioneer of electronic music from the UK who has influenced more than one generation in the underground techno and house scene over the past three decades. Known for his innate skill both in the studio and behind the decks, Asad Rizvi has been acclaimed as a "master of groove." His career began in the 90s, a period that marked a turning point in dance music, and since then, his love for production and mixing has evolved without limits.

With over 150 vinyl records and a vast catalog that continues to set the standard on dancefloors worldwide, Silverlining has created an extensive and diverse discography that spans multiple electronic genres, with House and Techno in their various forms. Through his label, Silverlining Dubs, he has reissued past hits while continuing to innovate with contemporary productions that resonate with today’s trends.

In this interview, we’ll explore Silverlining’s musical journey, his evolution as an artist, and the creative approach that keeps him relevant in an ever-changing industry. Get ready to dive into the world of an artist whose music promises to keep surprising us. Welcome, Silverlining!

Who have been your biggest inspirations throughout your career?

I've always admired artists that have successfully reinvented themselves and taken left turns in the name of creativity, even when they didn't need to. Artists like David Bowie, Miles Davis, Quincy Jones, Herbie Hancock, Andy Weatherall, François K, Talking Heads, and more come to mind. But on a personal level, my biggest—most palpable—inspirations have been the people around me: family, friends, people I meet on travels, dancers at gigs, and so forth. Everyone has something to teach us, irrespective of their musical knowledge.

How are you feeling right now, and what projects are you currently working on?

Right now, I feel that we're at a crucial moment for electronic music during these turbulent times around the world. The act of dancing communally and creating strong social bonds—as our music is so apt to do—is becoming less of a luxury but a necessity for the human spirit. With so many booby traps for social division all around us, underground culture is one of the most powerful responses. The dance acts as a final bastion of normalcy in a world that makes less sense by the day. It's just a shame that this experience is so niche.

As artists, musicians, and music lovers, we also have a responsibility to challenge the normalisation of destructive actions by governments and corporations. Throughout history, the fringes of art and music have produced powerful ripple effects that have shaped popular culture and, in turn, political behaviour. Although no single artist can stop global crises via Instagram, our collective voices—whether expressed online or in public—can delegitimise the unacceptable actions. This can spread far beyond our bubbles. This ethos has shaped my creative approach over recent years, and I feel this needs to remain a constant through the process. I don't feel that it detracts from the 'fun'— we must remember how to laugh and love—but I feel there needs to be this backbone of responsibility in my work.

As for current projects, I'm focusing mainly on my Neotropiq and Silverining Dubs labels and parties, the current album, as well as touring and digging heavily. I'm ever grateful for the amazing places I get to visit on a weekly basis. Through all of these, I look for ways to celebrate the spirit of collaboration, diversity and self-expression.

Congratulations on the release of your Silverlining & Friends LP on Ninih, a legendary body of work featuring timeless classics. How did the release come about?

The project came about when Pieter Janssen, of Ninih in Amsterdam, noticed my name on several releases and got in touch, proposing a collabs album of projects from the late nineties. I liked his approach, so we went ahead with it, spending several months on curation and even more on sleeve art. With so many other artists to give credit to, there were a lot of elements to bring together but we got there in the end, and I'm really pleased with the results.

The release is focused on your collaborations between 1996 and 2001 with various friends and artists. What was it like during this period? Do you think there are some misconceptions about those years and the music that was released?

The nineties were a magical time in London. It felt alive, multicultural and musically innovative. As for how the music has been remembered, the story of the sound that people call 'tech-house' is hugely misunderstood. Yes, there was a movement that came about, largely by accident, but this didn't happen in a vacuum. Much like the all-embracing, diverse atmosphere in London at the time, genres were being fused and experimented with widely. In the case of our Reverberations community, the focus was to amalgamate as much as possible, mixing techno and house just one part of a wider whole. I think this completely unconscious as we didn't feel we fitted into established scenes and we needed to carve our own space. So we were busy with a lot more than house, techno and all in between. This is why only four of the ten tracks on the album have a 4/4 rhythm.

I feel this is important to the present moment, as single-mindedness can narrow down the boundaries of creativity. This can reflect on how we behave towards difference and newness, from music to people.

The music is most definitely standing the test of time; do you think the music still sends the same message now as it did then? Or maybe it hits differently in modern times?

I'm honestly so grateful to see this music being appreciated all these years later. I think what has translated over the years is an underlying attitude of those simpler times; the rejection of digital-age commercialism in favour of old school authenticity. Dance-floors full with people holding phones up might still be a thing at huge festivals and super-clubs, but not in the underground where it's widely accepted that this kills the vibe. More and more promoters are choosing to communicate their events away from traditional ticketing and social platforms, to ensure a better quality of crowd and to take back ownership of their own work.

So I feel we're at a moment where the embedded ways of the electronic music scene are being challenged, renovated, and even rejected in favour of a more heartfelt approach that harks back to the pre-digital age. You may not see it yet at the Ibiza super-clubs, but its happening in the underground with more mainstream brands beginning to follow suite.

How is your own relationship with the digital era and the influences social media have on artists and the music industry as a whole?

I find that there is a tightrope walk between using social media to our ends and using it to big tech's ends. A fantastic book called Off the Network describes how each network has its own logic that it expects us to follow. In the case of most social media platforms, the network translates our leisure activities towards advertising intelligence that then they feed back to us in the form of personalised content. The more about our lives that we share, the more it is able to show us consumer and political content that might seem irresistible to us. The other issue is that Meta owns four major platforms, each of which has different ways of collecting data. When amalgamated, they know everything about us. So for this reason, I treat my Instagram account as a kind of modern-day CD booklet, but restrict the amount of personal information that I give them. I deleted WhatsApp and deactivated Facebook, and only use Signal to keep in touch with close ones. These concerns aside, I keep Instagram, as I find it to be the most creative of the platforms, but I just use it in my own way.

You recently moved to Spain. What motivated this decision, and how has it influenced your music?

Despite the Post-Brexit atmosphere in the UK, London is still one of the world's most vibrant and creative cities. Thankfully, I still get to go back frequently for my label parties, gigs and studio sessions. But I have lived there since I was a child, and I felt it was time to try something new. Valencia felt like a place that is blooming in the arts and music, with a long history of electronic music, but is still under the radar in terms of hype. I feel that stepping out of the London scene is helping me to explore new approaches that I might not take in my hometown.

What are your favourite clubs in Spain, and why?

Both Oven Club in Valencia and Red58 in Barcelona are firm favourites. Both engender an intimate family atmosphere but with high-fidelity sound. I'm also a big fan of some of the other promoters here who move around, such as Basement Sound and Special K, who know how to throw a proper party with love and attention.

How do you see the evolution of the London music scene over the years?

Firstly, it has to be remembered that London comprises multiple scenes. So much goes on and you may never know about it, which is what makes it so exciting and full of surprises. But as for the corners of the London music communities that I've been a part of, I feel that it's in a healthy place. Sure, some things have been lost, but others have been gained. When I first started going out, I felt that there was a sense of freedom and that people didn't judge how others looked as well as a sense of getting on with it. It was, however, more male, white and straight. While there's obviously nothing wrong with any of those things, it was harder for people not of these backgrounds to be given opportunities.

Nowadays, there is more of a sense of personal self-consciousness than before, but there are more spaces for talented DJs who might happen to be female, non-white, LGBTQ+ or other backgrounds. Harassment and bias are still issues in clubs, but at least there are more open conversations about this now, which I hope will bring about more long-lasting change.

In the right circles, the music is as interesting and fresh as ever, with generations combining more than ever to share their knowledge of underground music. Left-of-centre music is just part of the city's DNA.

Which new generation artists can you recommend to us?

There are just so many. In terms of DJs, favourites off the top of my head include Georgia, Hamish & Toby, Loa Szala, Sugar Free, Carrau, Maybe Laura. I also really dig the Oven crew DJs, Sueezo, Pau Perez and Pin. Although I'm biassed, my Neotropiq ressies and regulars are some of the best in the game right now: Free Zing, Oliver Moon, Trixie, Heaven Lee, 3Minds, KT and so many more. I'm awful at remembering the names of tunes I play, but always happy to ID anything in my sets!

Can you tell us more about your record label, “Neotropiq”? What do you have planned with the label and the “Treefrog Army”?

I launched the label in 2018 with a one-off party and a couple of reissues that did well. But once those were done, I felt like I needed another channel in addition to Silverlining Dubs. After the pandemic, I built a creative space in South London where we launched the party series with some close friends. After the first one, it was clear that Ollie Moon and Trixie would be residents, later adding my Reverberations co-founder, Tom Gillieron, and Free Zing. So we're now a collective of artists who put on parties. The latest release, the Treefrog Army EP, is a reflection of the artists and sound played at our London parties.

When producing, do you have any habits or rituals before entering the studio to help you focus or find inspiration?

I find that starting early with a fresh mind is the most productive. I used to work late into the night, and I occasionally still do, but early starts tend to be the most productive for me. I tend to go in after my exercise routine, a hearty breakfast, and a strong cup of coffee! Then, in the studio, I'll run some distraction blockers, switch my phone onto focus mode, and get cracking. You don't need anything more than this to be creative.

What are your favourite synthesisers and drum machines? Give us your TOP 5.

The Yamaha DX11 has been a big part of my sound since my first record until now. The Akai S3000XL—ok, a sampler—has been a mainstay for my drums for years. I'll always love the TR-808 as it was probably the first drum machine I heard as a kid. All its X0X relatives are obvious choices, but I never tire of them. Instead, I'll mention the Kurzweil K2000 v2 that I've recently been getting into for its sheer depth of sound. And lastly, I've recently been getting stuck into the Akai MPC Live workflow.

Finally, can you share a track that changed the way you see music?

I was a young kid when I first heard this and it sounded like a spaceship was landing in my bedroom.