Entrevistamos a SHKEDUL

La trayectoria de Shkedul es un recordatorio de lo que significa mantener el control total sobre la propia narrativa. Con más de 16 años de recorrido entre las cabinas y el estudio, el productor y DJ pasó de ser un adolescente cruzando fronteras para pinchar junto a Gesaffelstein, a consolidar una identidad sonora oscura, densa y sin concesiones.

Su evolución no ha sido una cuestión de azar, sino de decisiones radicales: desde el reseteo artístico que dio vida a su alias actual, hasta la fundación de NORD LTD—un sello exclusivamente en vinilo que el próximo año cumple una década de resistencia e independencia absoluta—. En un circuito obsesionado con la inmediatez digital, proyectos como UX-MENTALE o Amigos (junto a Natural Goofy) confirman que Shkedul sigue encontrando su motor en el respeto al formato físico y el trabajo de estudio.

Hablamos con él sobre evolución, libertad creativa y el peso de mantener un sonido propio a lo largo de los años.

En una era de gratificación instantánea y presets infinitos, ¿cuál es ese paso en tu proceso creativo que decides entorpecer o ralentizar a propósito, solo para evitar que la música suene demasiado "perfecta" o artificial?

Para mí, todo se reduce a un compromiso absoluto con el audio tracking y el ruteo de hardware. Evito deliberadamente el total recall. Cuando estoy trabajando en un track, grabo mis sintetizadores en vivo a través de mesas de mezclas analógicas vintage, modificando parámetros y niveles en tiempo real, y registro el máster o las pistas directamente. Una vez que está grabado, se queda así. Si una transición tiene una ligera imperfección o un filtro se abre un segundo más tarde de la cuenta, se queda dentro. Eliminar la red de seguridad del "deshacer infinito" o el hecho de volver atrás para cambiar una nota MIDI me obliga a escuchar con los oídos, no con los ojos. Te devuelve ese error humano que la perfección digital suele desinfectar por completo.

¿Has borrado alguna vez un proyecto entero tras darte cuenta de que sonaba "demasiado profesional"? ¿Dónde marcas la línea entre dejar un track pulido y perder su alma?

Para ser sincero, no creo que exista el concepto de "demasiado profesional". Estamos en 2026 y tenemos la tecnología y los conocimientos necesarios para que los discos suenen increíbles, así que no veo por qué no deberíamos aprovecharlo. De hecho, hay innumerables discos de los 90 que me encantan a nivel artístico pero que simplemente no puedo pinchar en mis sets porque están mal mezclados. Al ser yo mismo ingeniero de mezcla, el cuidadodel sonido y la precisión técnica son fundamentales para mí. La línea entre la claridad absoluta y la pérdida del alma de un track no se cruza por la calidad de la mezcla, sino por la intención que hay detrás. Una mezcla perfecta nunca le quitará el alma a un track si la idea inicial y la energía son auténticas y crudas.

Tu flujo de trabajo parece moverse en una delgada línea entre la precisión digital y el caos analógico. Si tu estudio se incendiara hoy y solo pudieras salvar un instrumento —no el más caro, sino el que realmente conoce tus cambios de humor—, ¿cuál sería?

Tras muchos años de ajustes y experimentación, por fin he llegado a un punto en el que estoy plenamente satisfecho con mi estudio. Es un ecosistema híbrido que tiende un puente entre la precisión de un DAW y la calidez e imprevisibilidad de los sintetizadores analógicos. Mi flujo de trabajo actual es increíblemente rápido; incluso los compañeros que vienen a colaborar se dan cuenta de lo funcional e inmediato que es este enfoque para plasmar ideas en comparación con un setup 100% analógico. Si el estudio se quemara hoy y solo pudiera salvar un instrumento, no hay duda: me llevaría el Access Virus TI. Es el corazón de casi todas mi producciones. No me intimida; al contrario, me fascina constantemente por su versatilidad. Puede ser milimétrico o totalmente caótico, adaptándose a la perfección al estado de ánimo en el que me encuentre.

Colaborar es, en esencia, dejar que un extraño entre en tu espacio creativo. ¿Hubo algún momento específico en este nuevo álbum en el que un colaborador destrozara una idea que tú considerabas intocable, para acabar dándote cuenta meses después de que tenía razón?

Por supuesto, y ocurrió específicamente con el track Trace Signal. Al principio, el tema estaba producido de una manera completamente diferente y a mí ya me gustaba mucho. Cuando Enrico Vivaldi —que es mi confidente número uno, colaborador y socio en nuestro proyecto Reibu— empezó a desarmar mi idea original para enseñarme otros ángulos del sonido, al principio me mostré un poco reticente y escéptico. Decidimos dejar el tema aparcado y dejarlo respirar. Un mes más tarde, volví a abrir el proyecto yo solo en el estudio y, motivado por la perspectiva que él me había aportado, lo terminé en menos de una hora. Hoy se ha convertido en uno de los tracks más valorados de todo el álbum.

¿Qué es lo primero que buscas cuando abres el proyecto de otro artista? ¿Hay algún "mal hábito" que hayas detectado en los demás que te haya inspirado a cambiar tu propio enfoque?

Como mezclo a menudo proyectos de otros artistas, un "mal hábito" que noto constantemente es la falta total de paneo estéreo. Muchos productores tienden a dejar casi todos los elementos justo en el centro. Debido a esto, los canales izquierdo y derecho se saturan con las mismas frecuencias, haciendo que la mezcla suene plana y ahogada. A veces, el simple hecho de panear ligeramente varios instrumentos puede parecer pura magia, dando a la mezcla un espacio inmediato para respirar. Con los años he aprendido que una buena mezcla no requiere mil plugins ni toneladas de hardware externo. Requiere un oído analítico afilado y la disciplina de hacer menos cosas, pero hacerlas completamente bien.

El mercado actual está saturado de audio en formato de contenido rápido de 30 segundos. Al lanzar un álbum de larga duración, ¿intentas nadar a contracorriente o buscas construir un refugio donde el oyente pueda quedarse un rato?

Uno de los motivos es, sin duda, una invitación a bajar el ritmo. Vivimos en un mundo acelerado y tomarse un momento para respirar no es algo que deba darse por sentado. Pero también quería plantearlo estrictamente desde mi propia perspectiva como DJ. Demasiadas veces he comprado paquetes de doble vinilo (2x12”) para luego darme cuenta de que solo podía pinchar un tema de ocho, ya fuera porque los arreglos no eran funcionales para el club o porque los elementos chocaban entre sí. Con este álbum quería hacer exactamente lo contrario: construir una herramienta real y altamente funcional para los DJs de club. Aquí hay ocho tracks perfectamente cohesivos. Si quisieras, podrías pinchar el disco del tirón, de la pista 1 a la 8, porque sigue una progresión lógica diseñada específicamente para la pista de baile.

¿Cuál es la actividad más mundana y aburrida que haces cuando no estás en el estudio? Esa clase de tarea en la que, irónicamente, te asaltan las mejores ideas para tus tracks.

Para mí, mi espacio seguro para desconectar es la lectura. Tengo una gran colección de libros que abarcan una gran variedad de temas, y sumergirme en esas páginas me permite aislarme por completo de mi rutina diaria en el estudio, que me mantiene ocupado de 8 a 10 horas al día, de lunes a viernes. Apagar el lado musical de mi cerebro para centrarme en conceptos completamente distintos es, irónicamente, el momento exacto en el que mi mente se relaja y me surgen las mejores perspectivas e ideas para mis tracks.