Entrevistamos a Oshana

Durante más de una década, Oshana ha sido una figura clave en el sonido underground, destacándose por su enfoque analógico en la producción y un estilo que fluye entre house, techno y electro, con matices ácidos y texturas hipnóticas. Su música, lanzada en sellos como Yoyaku, Partisan, BodyParts, así como en sus recientes trabajos en Altered Circuits y Cutting Shapes, ha sido una constante en la pista de baile, equilibrando la energía rave con la sutileza del deep groove. Más allá de su trabajo como productora, Oshana es una DJ con una sensibilidad especial para construir sets inmersivos, donde la narrativa y la selección de tracks juegan un papel fundamental. En esta entrevista, hablamos con ella sobre su proceso creativo, la evolución de la escena underground y los desafíos de la era digital.

Hola Molly, bienvenida a Mixmag Spain! Es un placer tenerte en nuestras páginas. Has tenido varios lanzamientos recientes y sigues muy activa en el estudio. ¿Cómo encaja el proceso creativo en tu rutina? ¿Cómo manejas los momentos de baja inspiración y cómo aprovechas al máximo los momentos en los que las ideas fluyen?

¡Gracias! El placer es mío. Intento estar en el estudio con regularidad, principalmente por las noches y en fines de semana libres, siempre que tengo tiempo.

Cuando la inspiración es baja, trato de no forzarla. Alejarme del estudio, resetear mis oídos, buscar nueva música o revisar proyectos antiguos a menudo me aporta una nueva perspectiva. Por otro lado, cuando la creatividad fluye, me encierro y aprovecho al máximo el tiempo de estudio para capturar tantas ideas como sea posible.

¿Cómo es tu proceso típico para hacer un track? ¿Empiezas con una idea concreta o dejas que el flujo de trabajo te guíe?

Me gusta que todo fluya de manera orgánica: mis sesiones suelen comenzar con improvisaciones, explorando sonidos y grooves hasta que algo me atrapa. A partir de ahí, paso a la fase de estructura para darle dirección al track y desarrollar un diseño de sonido coherente.

Rara vez entro al estudio con un plan rígido. Prefiero dejar que el flujo de trabajo me guíe, ya que esto mantiene las cosas flexibles y permite que surjan ideas inesperadas. Se siente menos forzado, y me encanta cuando los tracks adquieren vida propia.

Hoy en día, las herramientas digitales han hecho que la producción musical sea más accesible que nunca. ¿Qué papel juegan el hardware y el software en tu estudio? ¿Tienes alguna filosofía específica a la hora de combinarlos?

El hardware y el software desempeñan roles igualmente importantes en mi estudio; trabajan juntos para mantener mi flujo de trabajo ágil. Utilizo software para esbozar ideas rápidamente y luego las paso a mis máquinas y secuenciadores externos para abrir nuevas direcciones creativas; es un proceso completamente simbiótico.

¿Mi filosofía? No tener reglas estrictas. Cuantas menos limitaciones, más posibilidades. Me encanta el hardware por su calidez y carácter, pero mientras pueda capturar esa esencia con software y mantener la integridad del diseño sonoro, no dudo en combinarlos.

La inteligencia artificial está empezando a integrarse en la producción musical. ¿Cómo crees que los productores pueden beneficiarse de estas herramientas sin perder su esencia artística?

La IA abre posibilidades emocionantes, especialmente en teoría musical, progresión de tracks y optimización del flujo de trabajo. Es una herramienta poderosa en el aspecto técnico de la producción, pero el alma de la música, la esencia artística, es algo que la IA aún no ha logrado replicar.

Siempre que los productores usen la IA de manera responsable, como un recurso y no como un reemplazo de la creatividad, no hay sacrificio que hacer.

Compararse con otros artistas es algo con lo que todos lidiamos en algún momento. ¿Crees que las redes sociales han amplificado este sentimiento en la industria? ¿Cómo impacta esto en la escena underground?

Definitivamente, las redes sociales pueden amplificar la comparación, especialmente en un sector tan competitivo de la industria. Pueden generar presión para seguir tendencias, a veces a costa de la originalidad en la escena underground.

Dicho esto, si se usan con conciencia, pueden ser una herramienta poderosa para inspirarse, conectarse y celebrar tanto el propio trabajo como el de los demás. Todo se trata de encontrar un equilibrio: mantener el enfoque con una mentalidad positiva y usar las redes sociales como un recurso, no como una vara de medir.

La palabra ‘underground’ ha evolucionado hasta el punto de casi convertirse en un género en sí mismo, cuando originalmente representaba una filosofía y una forma de vida. ¿Cuál es tu perspectiva sobre lo que significa hoy en día?

El significado de "underground" ha cambiado con el tiempo. Lo que antes representaba una contracultura frente a la música dance comercial, ahora parece más relacionado con la rareza, ya sea en forma de tracks oscuros, discos de edición limitada o eventos íntimos. Las líneas están más difusas que nunca, y se ha convertido menos en una filosofía amplia y más en un concepto de exclusividad.

Tu sonido suele describirse como una fusión de house, techno, electro, acid y otros géneros, sin encajar completamente en una categoría. ¿Hacia qué dirección sientes que está evolucionando tu música últimamente?

Intento evitar encasillar mi música porque no quiero limitarme. Últimamente, sin embargo, he estado cogiendo mucha inspiración del techno y el electro, y definitivamente se pueden escuchar esas influencias en mis últimas producciones.

En una era dominada por las redes sociales y el marketing digital, ¿qué desafíos ves en la evolución de la escena musical actual?

El principal desafío hoy es preservar la cultura y autenticidad de la escena mientras crece rápidamente a través del streaming y las redes sociales. Antes, los artistas se desarrollaban a través de la comunidad, el mentorazgo y años de experiencia en la carretera, pero ahora los nuevos talentos pueden surgir rápidamente con una barrera de entrada más baja. El reto está en encontrar el equilibrio adecuado: expandirse sin perder las raíces que hicieron que la escena fuera lo que es.

Cuando hablamos de la escena underground, a menudo pensamos en productores que pasan años en el estudio sin recibir el reconocimiento que merecen, DJs mal pagados y un circuito en el que solo unos pocos pueden vivir exclusivamente de la música. ¿Qué cambios crees que son necesarios para lograr una mayor equidad dentro de la escena?

Lograr mayor equidad en la escena no será fácil, pero empieza con una mentalidad de comunidad. En lugar de ocultar nombres y acumular discos, los DJs deben dar crédito a los artistas y apoyar su música de manera justa. Los promotores también deben tomar riesgos, alejándose de los mismos lineups de siempre y dando oportunidad al talento emergente. Los clubbers juegan un papel clave apoyando eventos que apuestan por lo nuevo y respaldando a nuevos curadores. La escena debería prosperar por fe, no por miedo.

Si te pido que imagines un club para 200-300 personas, con un sistema de sonido impecable y la vibra perfecta, ¿qué club te viene a la mente primero?

Ohm Berlin.

¿Qué elementos crees que hacen que un club sea perfecto para una noche inolvidable?

Para que una noche sea realmente inolvidable, hay varios factores esenciales. Primero, el público: una audiencia abierta y dispuesta a dejarse llevar marca la diferencia. Luego, un dancefloor espacioso y un sistema de sonido potente pero bien equilibrado. La selección musical es clave: un lineup diverso y emocionante, junto con un promotor que sepa cómo construir la atmósfera adecuada. También ayuda una barra bien surtida con cócteles creativos y, por supuesto, un equipo atento a cada detalle para que la experiencia sea impecable.

¿Notas la diferencia entre un público más "conocedor", donde hay muchos DJs y coleccionistas de música, y un público más tipo "raver" que simplemente sale a disfrutar sin centrarse demasiado en la selección de temas? ¿Cómo adaptas tu enfoque según quién esté frente a ti?

Absolutamente. Hay una gran diferencia entre tocar para un público conocedor y para un público raver más relajado. Para el primero, me sumerjo en selecciones más profundas y especializadas, disfrutando la libertad de explorar. Con el público raver, todo se trata de la energía y la vibra, manteniendo un sonido que los mantenga enganchados sin alejarme demasiado de lo familiar. Ambas experiencias son únicas, y ajusto mi enfoque para sintonizar con la energía del público.

A pesar de los cambios en la escena europea, los festivales boutique siguen prosperando. ¿Cuáles son tus favoritos y qué los hace especiales para ti?

Este año, algunos realmente me impresionaron. Primero, Airhouse Festival en Corea del Sur: una ubicación increíble y una atención al detalle impecable. Luego, Moko, que tiene una vibra familiar y un ambiente íntimo. Y, por supuesto, Dimensions, con su ubicación espectacular, carteles diversos y el plus de estar rodeado de amigos. Aún hay muchos que tengo ganas de explorar—Houghton, Butik y Dekmantel definitivamente están en mi lista.

¿Cómo adaptas tu enfoque al tocar en un evento underground más íntimo frente a un festival a gran escala?

En eventos íntimos, me gusta llevar un enfoque más dinámico, construyendo un viaje con altibajos y momentos especiales. En los festivales grandes, el enfoque cambia: los sets son más cortos, así que busco mantener una energía constante, entregando una experiencia memorable que resalte mis puntos fuertes y conecte con un público más amplio.

¿Qué artistas y sellos discográficos han llamado tu atención últimamente?

Últimamente, me han atraído artistas y sellos de mi círculo cercano, como Mood Waves / Tanzform, Partisan, Pillz, Unit-Y, Altered Circuits, Psionic y Moving in Silence. Me emociona especialmente el talento emergente que hemos fichado en Psionic, el sello que dirijo junto a Anthea—Juanma Alegre, Marcos Coya y Yu son solo algunos de los artistas en ascenso que tengo muchas ganas de ver despegar.

¿Hay algún próximo lanzamiento o colaboración que te emocione?

¡Sí! Primero, mi EP ‘Play Me’ saldrá en Cutting Shapes, seguido de mi EP ‘Origins’ en Altered Circuits. Ha pasado un tiempo desde mi último lanzamiento, así que estoy realmente emocionada por compartir estos nuevos temas con el mundo. Más allá de eso, habrá que ver qué sale de mis próximas sesiones de estudio.

Para cerrar, nos gustaría escuchar tu reflexión: ¿qué le dirías a la Molly de hace 10 años, cuando recién comenzaba su camino en la música?

Esto es un maratón, no un sprint. Tómalo con calma y disfruta cada paso del camino.