Entrevistamos a Linja

Iaroslav Vialykh (Jaro) es un músico electrónico, productor y DJ. Activo como DJ desde 2006, comenzó a producir su propia música en 2010, desarrollando gradualmente un lenguaje sonoro distintivo y una colección de instrumentos analógicos y digitales En 2015 lanzó el proyecto LINJA, presentándose en directo en diversos escenarios. En 2020, publicó su álbum debut en el sello Malka Tuti, seguido de lanzamientos en sellos como Hard Fist, Calypso Records, I’m A Cliché y Serenades.

Tras trasladarse a España en 2022, continuó evolucionando su sonido y en 2024 editó un álbum en Solitary Listener, que tuvo una buena recepción en la escena local. El trabajo de Jaro combina un diseño sonoro inmersivo con intensidad rítmica, entrelazando texturas ambientales y melodías en evolución dentro de estructuras de baile dinámicas. Las líneas de bajo profundas y los samples acústicos poco convencionales aportan una atmósfera distintiva a sus producciones.

El trabajo de Jaro combina un diseño sonoro inmersivo con intensidad rítmica, entrelazando texturas ambientales y melodías en evolución dentro de estructuras de baile dinámicas. Las líneas de bajo profundas y los samples acústicos poco convencionales aportan una atmósfera distintiva a sus producciones. Más allá de la pista de baile, su práctica se expande hacia territorios experimentales, donde objetos físicos y esculturas se entrelazan con el sonido. A lo largo de su discografía, una identidad sonora coherente y reconocible conecta un amplio espectro de estilos.

¿Qué opinas de la escena musical actual? ¿Crees que el mundo acelerado e inmediato en el que vivimos está influyendo en la forma en que hacemos música?

La escena actual es enorme y veo un potencial enorme en ello, pero al mismo tiempo hay un problema de uniformidad. Me parece que hoy en día gran parte opera como un sistema: el artista, el sello del artista, la estrategia, el calendario, un producto claramente definido. Pero en esta eficiencia se pierde el sentido del descubrimiento; los clubes suelen poner lo mismo una y otra vez, visualmente todo parece demasiado similar, e incluso el vinilo no se publica como un objeto con un concepto, sino simplemente como un formato comercial más que necesita ser vendido; la funcionalidad tiene prioridad.

¿Crees que la mayor parte de la música de hoy en día se ha vuelto genérica o formulada? ¿Está eso matando la creatividad de los artistas y disuadiéndolos de experimentar?

Los algoritmos crean una "zona de confort": te dirigen hacia sonidos que ya han demostrado ser cliqueables. Esto influye en las decisiones desde la etapa de la maqueta: te encuentras preguntándote inconscientemente dónde podría "funcionar". Como resultado, el riesgo se vuelve estratégico más que artístico. Es más fácil seguir un camino trillado que idear algo único. Podrías ver un tutorial sobre cómo hacer un track de acid house en 10 minutos, crearlo y plancharlo en vinilo el mismo día; lo más probable es que funcione, pero ¿hasta qué punto se reflejará tu estilo único en ese track? Cuando tu música no encaja en el molde habitual, no es conveniente; es difícil de vender, difícil de pinchar y difícil de categorizar en un género en particular, pero a menudo eso es lo que despierta mi interés, es un soplo de aire fresco.

Me interesa menos la música escrita según los cánones y mucho más salir y divertirme, grabar sonidos golpeando cubos de basura, hurgar en el entorno urbano buscando el sample perfecto, juntarlo todo en mis propios packs y luego enviarlo a la pista de baile.

Hoy en día, la barrera de entrada para ser DJ o productor musical es más baja que nunca. Si bien la democratización es genial, ¿cuáles ves como las principales desventajas de esta hiperdisponibilidad de herramientas y talento?

La accesibilidad reduce la barrera de entrada pero aumenta el ruido. Una gran cantidad de música suena "suficientemente buena", pero no hay muchas declaraciones verdaderamente contundentes. La gente lanza tracks más rápido de lo que desarrolla su propia voz artística. Como resultado, es más difícil distinguir la voz del ruido. La presión por publicar contenido constantemente ahoga la necesidad de trabajar en un estilo único.

¿Cuáles son las principales desventajas de realizar un live set en comparación con un DJ set hoy en día? ¿Crees que el público realmente aprecia los live sets por el esfuerzo que implican, o rara vez notan la diferencia?

En cuanto a las desventajas, es la estandarización: es más fácil llegar, montar dos platos y listo. Pero el live set de cada artista es único y requiere una inversión adicional por parte del club/sala en términos de tiempo de montaje, equipo extra, pruebas de sonido, etc.

Para el artista también preparar el setup sigue siendo costoso, requiere mucho tiempo y es algo molesto; tienes que preparar el material, tocarlo para que suene bien y asegurarte de que ningún cable falle por el camino; estás preocupado por eso la mayor parte del tiempo. Pero, por otro lado, un live es un gancho mediático extra: "miren, somos diferentes a una simple fiesta con DJs, tenemos algo especial".

Me parece que, a nivel general dentro del club, poca gente nota la diferencia entre un Dj set y un live, porque la mayoría de los directos suceden sobre la mesa, sin un despliegue escénico especial. Si no estás en la primera fila de la pista, es difícil notar la diferencia

Me gustaría ver live shows más potentes y más apoyo de los promotores para ayudar a los artistas a dar vida a sus ideas; eso es lo que realmente hace avanzar la cultura.

Cuéntanos sobre tus diferentes proyectos: LINJA, FJ y Emphore. ¿Qué sonido define a cada proyecto y qué buscas lograr con ellos?

Produzco tanta música en este momento que tiene todo el sentido asumir un par de alias más. Por ejemplo, LINJA es mi proyecto principal, enfocado en la escena underground y la música de pista de baile, pero antes también creaba música experimental y downtempo bajo el mismo nombre, así que he decidido dividir LINJA en dos proyectos para el futuro.

El nuevo proyecto, EMPHORE, es esencialmente un spin-off de LINJA donde mostraré mi lado más experimental, conciertos especiales, instalaciones y adentrarme más en el arte. Ya tengo dos álbumes y un par de sencillos listos, algunos conceptos artísticos y estoy esperando el momento adecuado para presentarlos en el contexto que quiero.

También tengo un alias, Friend’s Jacuzzi (FJ), que se enfoca en Balearic, pop y música house; por ahora es solo un proyecto de DJ, pero planeo grabar algunos tracks en este género en un futuro cercano.

He dejado deliberadamente algunos de mis trabajos en pausa durante un par de años, ya que siento que trascienden el tiempo y seguirán siendo relevantes para mí en el futuro.

¿Por qué te has ido orientando más hacia los live sets a lo largo de los años? ¿Qué impulsó esa evolución y cuál es la principal diferencia para ti en comparación con un DJ set?

Para mí, el formato live es una forma de expresarme a través del sonido, timbres únicos, grooves y samples. Este formato le da a la gente una mejor comprensión de quién soy, ya que presento mi material directamente. Se puede rastrear la evolución de los tracks: cómo sonaban en la maqueta, en un entorno en vivo y luego en el lanzamiento real, si es que llegó hasta ahí.

Es como si el formato en vivo me ofreciera más libertad que un DJ set: puedo improvisar, o puedo tocar un set de tracks arreglados con sintes y controlar todo dentro de las partes, o puedo preparar un híbrido donde tome samples de músicos que me parezcan interesantes, fragmentos de diferentes composiciones y cualquier otro sonido. En esencia, es lo mismo que mezclar, solo que en un sentido más amplio: en lugar de mezclar un track con otro, meclo varios fragmentos en paralelo, capturando las mejores partes de los temas que me resonaron.

¿Qué setup llevas a tus live shows?

¿Qué porcentaje es preorganizado y cuánto es improvisado en el momento?

Rara vez actúo con el mismo setup; me gusta experimentar con combinaciones de instrumentos que crean un sonido único, pero la Octatrack es sin duda la pieza central de mi equipo, todo lo demás se construye a su alrededor. Hago muchas grabaciones a mano en el estudio, sin usar secuenciador clock, y luego las corto en samples para usarlas en mis tracks. Otro favorito absoluto en mi configuración en vivo es el Buchla Easel junto con un looper; es precisamente esto lo que me da la libertad de improvisar. A veces uso un sistema Eurorack y armo un rig para una tarea específica, ya sea una caja de ritmos o un rig con procesamiento, filtros y efectos. Casi siempre llevo conmigo el OP-XY de Teenage Engineering, es un groovebox muy pequeño pero potente para esbozar ideas: hago bocetos rápidos, luego lo conecto a mi equipo y envío MIDI a los sintes.

Es básicamente un set preparado de antemano, pero es bastante flexible: puedo ajustar la duración sobre la marcha sin desviarme del arreglo. Con el tiempo he simplificado la estructura para que sea fácil controlar los elementos y no tener que anotar cada movimiento en una libreta, sino simplemente disfrutar del proceso, sentirme libre y percibir la vibra de la gente en la pista de baile. El objetivo principal no es empantanarse en la configuración en vivo ni volverse aburrido, sino conectar con el público.

¿Cómo combinas tu música con tu otro trabajo artístico? ¿Tus instrumentos hechos a mano, esculturas e instalaciones siempre van de la mano con tu música o a veces existen como proyectos independientes? Cuando se combinan, ¿qué va primero: el sonido o el arte visual?

Los objetos físicos devuelven una sensación de fisicidad al sonido. Es una forma de ir más allá de la pantalla y transformar el sonido de una señal abstracta a una experiencia que literalmente se puede sentir. Cuando el sonido existe únicamente en un entorno digital, a menudo se mantiene "plano": limpio, controlado, pero desconectado del mundo físico. Trabajar con objetos introduce resistencia, aleatoriedad y materialidad, y es precisamente eso lo que hace que la experiencia sea más vívida.

Me atrae el momento de la interacción, cuando el oyente se convierte en participante. Por ejemplo, en una de las instalaciones que creé con la artista catalana Berta-Blanca T. Ivanow, trabajamos con una escultura de jabón. La programamos para que cada toque activara samples de sonido. Como resultado, el mero acto de tocar se convirtió en parte de la composición: el espectador no solo estaba observando, sino influyendo en lo que sucedía. Esto creó un efecto de sorpresa y participación, mejoró la sensación de inmersión e hizo que la experiencia fuera casi íntima.

Cuéntanos más sobre tu proyecto de sonido envolvente (surround). ¿Cuándo empezaste a trabajar en él y cuál es tu flujo de trabajo? ¿Utilizas plugins especializados o panning pesado? ¿El audio espacial cambia la forma en que abordas la composición?

Llevo mucho tiempo interesado en el audio espacial, y mi principal motivación para trabajar en este campo era crear un sonido que casi pudieras tocar, un sonido que te diera piel de gallina al escucharlo, y poco a poco empecé a explorar cómo reacciona el cuerpo al sonido. Cuando no trabajas en estéreo sino en tres dimensiones, el sonido deja de ser una capa plana y se convierte en un entorno en el que el oyente queda literalmente inmerso.

Esto cambia la naturaleza misma de la composición: el movimiento, la distancia y la dirección se vuelven tan expresivos como el ritmo o la armonía. Te permite trabajar con la atención de una manera diferente: no solo a través del volumen o la densidad, sino a través de la navegación dentro del espacio. Técnicamente, esto requiere pensar en sistemas en lugar de tracks. No solo importa el material, sino también las trayectorias: cómo los elementos se mueven, se cruzan y chocan. En cierto sentido, te conviertes no solo en músico, sino en un arquitecto de la percepción.

¿Qué se viene para tus próximos shows? ¿Cómo evolucionará tu actuación en directo y vas a incorporar visuales o iluminación personalizada?

Tengo un live show principal con todos los tracks que lanzaré a finales de año y en el futuro. Tengo un live set híbrido en mi repertorio, que mencioné anteriormente y que utilizaré activamente. Planeo organizar un evento de escucha (listening event) y probar un live set espacial.

Para el próximo año estoy preparando algunos formatos diferentes:

Una actuación de club en Quadro, donde usaré un sistema modular y samplers; toda la ruta de la señal está basada en hardware, sin ordenador portátil involucrado. Es un formato espacial simplificado de 4 canales donde los sonidos giran alrededor; si estás en el centro de la pista de baile, es absolutamente alucinante.

El segundo es más experimental, para eventos únicos donde sea posible configurar el sistema de sonido mediante software e incorporar más fuentes de sonido; mi objetivo es empezar con un sistema de sonido de 16 canales.

También estoy en proceso de armar el live show principal y un montaje de iluminación sencillo donde las partes principales de la mezcla activarán tiras de LED personalizadas.

¿Qué nos puedes compartir sobre tus próximos lanzamientos? ¿Qué estilo de música debemos esperar y dónde saldrá?

Para finales de año espero tres EPs:

Un lanzamiento compartido (split) para Coqueto Records.

Cuatro tracks para Legwork.

Y otro disco para un nuevo sello, aún sin título, de un buen amigo mío.

Toda esta música es para la pista de baile, una especie de tech house, electro y progresivo, con detalles de diseño de sonido (sound design). Estoy muy orgulloso de estos trabajos. Ya veremos cómo resulta.